| visiteur | note |
| Black_pantha | 1 |
| Dooliblog | 1 |
| Epikt | 4 |
| Pikul | 2.5 |
| Secret Tears | 3.25 |
La première chose qui frappe à la vision de Nabi est sa mise en scène, très particulière lors de la scène d’introduction : tous ce qui est filmé est réel et existant (pas de décors créés), mais filmé selon les codes du cinéma de science-fiction classique, suivant les même cadres imédiatement connotés et exacerbant certains sons de manière caractéristique – ainsi, une simple porte d’avion sonne étrangement futuriste – créant un étrange sentiment d’irréalité. On peut trouver ça kitch ou fascinant, au choix. Puis une fois posée cette base, la mise en scène reprend des marques plus traditionnelles. Pas la peine d’en faire trop, le mieux est trop souvent l’ennemi du bien, et il aurait été maladroit de s’enfermer dans une image de série B avec Christophe Lambert.
Quoi qu’il en soit, ça fait toujours du bien de voir qu’il y a (avait ?) encore des coréens (quoi que celui-là ait une expérience européenne) pour réaliser un film sans steadycam ni mouvement de grue pompeux, en faisant entorse à la sacro-sainte photographie vive et lisse (lissée) qui semble de rigueur. Ici, l’instabilité du cadre et la crudité de l’image DV renvoient à la fragilité et à la détresse des personnages. Mais au delà de quelques joujous formels, Nabi est aussi la troublante histoire d’individus confrontés à leur passé et leur mémoire. Une histoire de deuil aussi. Et en ces temps tourmentés au pays du matin calme (ou justement le contraire, trop lisses et uniformes), on se dit que c’est peut-être celui de ce genre de films coréens différents qu’il va falloir se résoudre à faire.
Néanmoins, la première référence qui vient à l'esprit au vu des prémisses du film est l'ombre du russe Tarkovski et plus particulièrement Stalker: le guide, l'environnement dangereux, l'immatérialité de la quête, les décors post-industriel. Mais ici, le manque de moyens et le tournage en DV détourne le film de la pâle copie pour trouver son propre créneau. Moon Seung-Wook joue avec toutes les possibilités qu'offre les caméras DV et se refuse à opter pour une réalisation continue et unie. C'est à la fois l'une des qualités et le seul défaut du film de la manière dont le voit: au premier visionnage cela paraît inégal mais à la re-vision cette rupture continuelle de ton trouve trouve sa signification. D'un côté, on est face à une réalisation proche des premiers dogma avec son lot de mouvements saccadés, de zooms et autres effets perturbants. Mais loin de la gratuité, cette figure de style trouve son écho dans le physique des personnages et le rapport charnel qu'ils entretiennent avec l'environnement, un aspect clairement présent lors des pluies acides et des scènes de douche avec de gros plans sur les brûlures et autres cicatrices qui racontent d'elles-mêmes le passé des personnages. De plus, cette réalisation proche des détails donne toute sa crédibilité au film en se centrant sur une ville au bord de l'implosion que quelques plans à l'arraché arrivent à rendre crédible, ce qui aurait été impossible avec une réalisation classique qui aurait été trop travaillé en plan large et qui aurait trop dévoiler les ficelles stylistiques du film. De l'autre côté, le film prend le parti de la force picturale innée des images et Moon Seung-Wook délivre des images tétanisantes de forces symboliques et évocatrices et qui restent gravées dans l'inconscient du spectateur tout en jouant avec une belle variété de champ allant d'un pont et d'un ciel en très grand angle, de couloirs somptueusement éclairés au visage de son actrice principale sous l'eau ou encore les yeux étrangement bleus d'une accro au virus. Et évidemment, le thème musical du film est fort et trippant et revient comme un leitmotiv inlassable dans la tête du spectateur.
Au niveau du fond, le film ne prêtera pas autant à débats et autres thèses que ses illustres modèles ont pu engendrer dans le passé mais il garde une ligne claire et en même temps complexe qui rend l'ensemble captivant. La thématique du souvenir comme source d'affect pour l'humain donne lieu à des personnages intéressants. En dehors de Kim Ho-Jeong et du trauma finalement assez commun qui la ronge, le personnage le plus attachant reste celui du taximan appelé simplement "K"(tiens, cela rappelle un célèbre héros kafkaïen) dans le scénario et dont on ne sait vraiment si il est ce qu'il prétend être ou bien si il a été exposé au virus et qu'il s'est lui-même inventé un passé pour avoir une raison de vivre. L'autre aspect à noter et qui est presque une thématique intrinsèque au cinéma coréen est la relation inter-générationnel entre Kim Ho-Jeong et Yuki, sa guide, la jeune génération étant condamné à voir l'ancienne dépérir et de fait reprendre le flambeau et les espoirs qu'ils ont abandonné. Un point commun à encore mettre en relation avec Stalker est que le film ne se centre non pas sur la finalité de la quête mais sur son cheminement et c'est tout naturellement que nos trois personnages en viennent à se rapprocher et à délaisser leur objectif initial pour mieux se comprendre entre eux et apprécier les instants de bonheur fugaces de leur existence. C'est une leçon de vie apportée par le film qui se confirme avec les junkies accros au virus qui constituent une classe à part entière vivant dans un présent perpétuel(vu qu'il n'ont plus de mémoire et que tout projet de futur est pour eux impossible) et dérangent le monde qui les entoure de par le semblant de vérité qu'ils apportent à leurs contemporains.
